大声展空间设计简述
今年的大声展有许多不同于一般艺术展的地方，其中之一是将四地的展场都安排在购物中心里。这与博物馆、美术馆有很大的不同，是个不多见的展览方式。购物中心的环境和美术馆有很大的不同。商品和艺术品，观众和购物人群交织在一起，他们既需要区分，又需要适度的联系。在巨大而功能复合的商业空间里，展厅和展品将是分散放置的，观众混杂于购物人流中；展品混杂于商品中；展厅混杂于商店中。展览作品的浏览线索像是一种寻宝游戏（Treasure Hunting），观众的“任务”是将“宝”——作品通过线索“找”出来。
我们这个时代接受信息的方式已经被互联网的广泛使用而彻底改变。高速而海量的搜索引擎将知识用搜索者想要的任何方式分类、再分类。我们的感知不再受限于物理时空，而是习惯于在电子世界里以不同方式将各种信息用不同的“关键词”反复分类。如果展览中的所有展品和它们背后的艺术家也可以被观众用各自的“关键词”进行搜索，并将之呈现出来，带给观众的将是个类似Google 的搜索体验。
事实上，这个展览设计就像是一个预设了多重线索的路线图。如同一幅城市的地铁线路图，每一条线路有若干个站，线与线有交叉和重叠。作品本身的类别（时装、建筑、海报、插画、声音等等）是一条线路，作者的所属地域也可能是一条线路，等等。
将“线路图”（Diagram）不经过传统建筑学的形式语言“翻译”（Translation）成空间元素（Diagram-Translation-Space），而是直接地将“线路图”呈现为形式（Diagram = Space Layout），即在展场的物理空间里大量依赖的是像彩色胶带、线条、色块和数字来界定和联系展品和不同展区。这种“短路”式的空间设计是对依托邦（E-topia）中关于非物质性（Dematerialization）的响应。 消解了大量墙体等传统空间元素的展览，依靠更多的是图形化的导引系统，它类似于购物中心已有的标识系统，但是更密集和强烈，重叠交错于其中。展览现场的视觉系统将同时反映在大声展的导览手册的三维地图上。观众对照手中的地图，顺着自己感兴趣的浏览导引系统，可以在展场中一一找到对应，而逐个将作品找到。
梁井宇/场域建筑
广州正佳广场
上海大宁国际商业广场
北京SOHO尚都
人人都是策展人
欧宁
大声展是一个自发的展览。2005年，姜剑、钱骞、吉吉和我想做一个关注新一代设计师和艺术家的展览，到处找赞助，最后找到了现代传播集团。现代传播集团由此发展出一种特殊的媒体行销方法，亦即通过展览去销售它的广告版面，而不是通过售卖艺术作品来获得回报。这在中国的媒体工业中可以说是个首创。对它的发行终端（读者）来说，展览不仅提供了大量的阅读内容，也提供了一次立体化的观展体验。大声展可以算是媒体立体化营运的完美范例，特别是它的融资和推广方式，在美术馆和双年展体制中是少有的。
2005年的大声展首先在深圳OCAT举办，然后巡回到上海中信泰富广场展出，到北京的时候，是在幸福村艺术中心。我们感到最兴奋的是在上海那一站，因为处于购物中心之中，它能遭遇到大量意料之外的观众，那是一些平常在其它艺术展览里没有见过的观众。有鉴于此，我们把2007年大声展的场地都选择在中国四个城市的四个大型购物中心里面。
在广州我们选择了天河区的正佳广场，它是亚洲最大的购物中心，每天的人流量有20万人，周末的时候达到40万。在上海，我们选择的大宁国际商业广场如同一个小型城市，有大量可使用的户外空间，我们还使用了它的停车场。在北京我们选择了SOHO尚都，这个场地与广州正佳广场比起来略小，但SOHO尚都支持我们在室外搭建不少专门的空间，我们也使用了它的地下车库和一些走廊。在成都，我们选择了百联天府购物中心，它是成都人气最旺的商业空间之一。基本上四个城市的场地都是使用购物中心的整体空间，而不仅仅是局部空间。我们多次对场地进行考察研究，把所有可用空间整理出来，并建立了一个设计模型。购物中心里的商品、消费人群和参展作品、展览观众共处于同一个空间，这样对于一个展览来说是一个很大的挑战，但有意思的是可以把购物体验与观展体验融为一体。
本届的展览设计由北京的建筑师梁井宇来负责，他将作品分布在购物中心不同的楼层和空间，然后通过建构一些索引和导览系统，来帮助观众找到自己所关注的作品。今年大声展的观展方式如同在Google上进行搜索。我们编辑的导览手册，里面有参展艺术家的详细信息，每个城市展览场地都附有一个导览地图，每张地图都有几种索引方法。例如以国别为索引，英国艺术家的作品虽然分布在不同楼层空间，但可以通过一条特定的线串联标示出来，方便观众查找。除此之外，观众还可以通过作品类别或艺术家姓名A-Z来检索，有一点像寻宝游戏。
购物中心是中国自上世纪九十年代初以来新一轮经济运动内爆的空间形式，发生在这个空间里的消费行为也是我们今天最常见的公共生活，甚至在某种程度上构成了我们的公共记忆。在这种巨型的消费空间内嵌入一个艺术展览，除了突破美术馆和双年展的一般展览模式之外，我们更希望淡化艺术的殿堂感，让艺术进入人们的生活，拉近与人们的距离。让人们在休闲消费活动中偶遇艺术，发现艺术，也许比居高临下地实施教育更能让艺术进驻人心。
07大声展的另一个特点就是在每个城市的主展场之外，我们发展了一种叫咖喱秀的外围展形式。咖喱秀就是家里秀，即在私人公寓或小型办公室举办的展览和活动。传统的展览是在特定的展期内把观众集中到特定的展场，但07大声展则通过咖喱秀把主展场聚集起来的人群再疏散到城市各个角落的不同私人空间。灵活的、游击式的咖喱秀加上主体展览前后大量的讲座、学术会议、公共论坛等小型活动，可以把展览的展期向前向后拉长。这样做也是想表明，展览不一定是特定时间特定场所内的特定活动，而应是俯拾皆是、唾手可得的日常生活经验的一部分。
今年3月29日我们在广州做了本届大声展的第一个讲座，请英国的参展艺术家Sebastien Noel来介绍他在新媒体领域的探索。4月1日我们邀请了纽约艺术家、建筑师和城市研究学者Kyong Park在北京清华大学建筑学院来讲底特律城市空心化的问题，这对中国的城市化进程很有参考意义。在中国，每个城市都在扩张，而农村却在收缩。底特律的情况是因为福特汽车公司把工厂搬到郊区，这样就导致内城的空心化，大量人迁走，引起了很多的社会问题。这个讲座体现了我们在策展实践中所倡导的文化针对性。
我们还发展了一些合作项目，例如4月8日的时候我们邀请英国的建筑师Celine Condorelli来到中国跟北京的建筑师王晖进行前期调研和对话，然后他们一起创作一件作品参加大声展。这种合作可以探讨文化的差异性和融合的可能性。特别是我们专门挑选王晖这样一个建筑师，他不是海归派，而完全是我们中国本土教育系统培养出来的建筑师。这样差异越大，对话越精彩。
今年我们还想探讨国族认同的问题。我们的学术会议，将通过对艺术和设计历史的钩沉研究，以及与英国、日本和荷兰等国家的对比研究，来探讨怎样在当代中国建立新的国族认同，即新的中国性。在中国经济持续增长，国力不断上升，奥运会举办在即，人人都在憧憬崛起的当下，这个话题不管是从艺术家来说，还是从政府来说，都是非常迫切的话题，我们想通过这个会议平台把话题的讨论深化。
07大声展搭建了一个9个人的国际策展团队，来自国内和世界各地的参展艺术家超过150位。有英国文化协会和日本国际交流基金会两个国际机构参与，其中英国文化协会是受到上一届成功的感染而主动要求参与的。这样一来，世界上两个在创意工业方面比较活跃的国家都囊括在07大声展里。
现在整个中国都在谈论创意工业，特别是政府也在鼓吹创意工业，但大多数人都只是看到创意的产业价值，而忽略了它的社会价值。所以07大声展特别想强调社会价值。目前中国还是处于一个“前喻”型的社会，也就是说年长的人在这个社会里拥有话语权，年轻人很少有机会表达自己，大声展就是要给他们提供一个能够释放自己能量的通道。因此，它的参展人主要以平均年龄在30左右的艺术家为主，观众的定位也非常年轻。从社会学角度来讲，它能平衡年轻人作为社会弱势群体的心理需要，缓解潜在的代际冲突，这就是它的社会价值。
在谈到创意的时候，我们总是把焦点放在艺术、设计、电影、文化等方面，其实，我们更应关心社会创新的问题。比如说广东有一个网名叫安猪的年轻人发起了一个叫做“多背一公斤”的项目，鼓励那些去旅游的人，多背一公斤的文具和书刊，送给沿途贫穷地区的学生。这是一个非常出色的创意，吸引了许多人踊跃参加。这个创意实际上调动了人们去从事一个慈善事业，人们做好事再不是出自国家的动员，而是出于内心的自觉，这对于目前中国的社会来说是一个伟大的进步，让人看到公民社会的希望。如果说一个展览要解决文化针对性，我觉得就应涉及类似的实践。
07大声展有10个关键词。这10个关键词既不是展览的主题，也不是作品的分类方法，而是经过大量寻访艺术家以后，我根据他们的作品所表达出来的思想和理念，总结出来的一些要点，以及我们专门策划的一些特殊项目。它们包括：都市策略、新物质主义、仿生美学、社群连接、伊托邦(E-topia)、游击文化、公共记忆、永续之梦、听游记和咖喱秀。
“都市策略”是指我们应如何应对中国目前剧烈的城市化现实。尽管我们最后无法邀请到莫斯科的建筑小组Iced-Over Architects和纽约艺术家Michael Rakowitz前来参加07大声展，但是我在这里还是要提到他们的两个作品。
Iced-Over Architects把用来清洁大厦外墙的吊台改造成了供流浪汉睡觉的“浮床”，挂在大型的现代化公寓上，流浪汉们可以敲窗跟公寓里面的人借厕所、借水、借电等。这个作品颠倒了现代都市的空间结构，把现代公寓变成了流浪汉生活补给的一个附件。它可以说是无产者的“都市策略”，体现了非常激进的左派观点，提出重新分配社会资源的要求。Michael Rakowitz设计了一种塑料睡袋，流浪汉可以把大厦排气管道排出的废气接入它的隔层中进行取暖。另外，为了让露宿者躲避警察的驱赶，他还把帐篷设计成车罩形状，形成一种伪装。这也反映了都市贫困人口的生存策略。
这两个作品均考虑到城市中的弱势群体。在中国，城市化运动不仅没有愈合反而拉大了贫富差距，其基尼指数已经接近崩溃的边缘。法国建筑师Benjamin Beller注意到中国城市中大量存在的巨型广告牌背后的“剩余空间”，他通过简单的加建，把这种空间变成了混合多种功能的简易住宅：白天合上仍是广告，晚上打开则变成厨房、卧室和露台。这是本届大声展体量最大的参展作品，它的动机亦是出自为无家可归家创造更多栖息空间。
“新物质主义”，是指重新找到一种观看物质世界的新角度。来自阿姆斯特丹的参展艺术家吴明伦设计了一件衣服，既可以穿在自己身上，又可以穿在椅子上面，人可以变成椅子，椅子也可以变成人，人与物的互换，彰显了物的权利：所谓物权，不应是指人对物的所有权，而是物自身的权利。而现居伦敦的荷兰参展艺术家Simon Heijdens设计的地毯其实就是在地上用腐蚀材料腐蚀出来的图案，他巧妙利用了物质的负形，即非物质。
“仿生美学”是指一种创意方法论，从动植物和自然界找寻创作灵感，例如Julia Lohmann设计的牛背凳,石川设计的树冰箱；“社群连结”是指一种与过去完全不同的社会组织方式，它以独立杂志、网络社区进行人群聚合，例如马蒂（朱薇）创办的电子杂志After 17和223（林志鹏）的影像博客；“伊托邦”是指电子技术创造了新的现实和世界观，例如曹斐在Second Life上纪录的线上奇观；“游击文化”是指一种新的无政府主义都市文化，例如Troika发明的游击式短信投影仪几乎是以电子涂鸦的方式实施了对都市空间的强占；“公共记忆”是从个人经验出发对集体无意识的寻找，例如蔡凯的Lileiandhanmeimei品牌，路路（李心路）的“霹雳娃娃”系列产品和大婴（任亦）的系列插图;“永续之梦”是指文化保存、多样化生活和可持续发展的理想，例如魏超、吴永红和陈飞波的“影子计划”，彭磊的电影《北海怪兽》。
“听游记”是一个专门策划的声音艺术与城市地理研究相结合的项目。我们邀请下划线工作室与众多中国声音艺术家对每个城市主展场周边往返车程在40分钟以内的区域进行研究，对它的建筑类别、功能、噪音指数进行采样、分析，在此基础上创造一个新的声音作品，安装在汽车上。观众坐在汽车上，按照艺术家选定的路线行走，这样既可以听着艺术家的声音作品又可一边感受城市街道的视觉印象。
“咖喱秀”，如前所述，就是在家里做展览。它最大的特点就是自发性，如果你有话要说，有东西要秀，咖喱秀就是一种很好的方式，它没有任何的约束，而且低成本，甚至是零成本。通常展览都需要印画册，而咖喱秀可以用特别节省的方式来做，例如用电脑打印然后再复印的方式来制作。咖喱秀可以通过口头宣传，通过网站、博客或者邮件的方式来发布信息。你不能只是叫你的朋友来参加，还应该通过网上征集公开的观众，突破小圈子的局限，开放一个讨论的通道。为了测试咖喱秀的效果，我们做了大量的实验，已经在兰州、北京、上海、广州、杭州、深圳、大连、成都等城市组织了超过10场的咖喱秀。
大声展其实已经是一个非常大的平台，有各种资源可供我们调配。但我们为什么还要鼓励咖喱秀呢？我们就是想试一试，在没有资源或只有少量资源的情况下，展览能做成什么样子。如果没有资源或极少资源而仍能操作展览，那说明人人都是策展人这句话并非是一个梦想。
物质/非物质
Shumon Basar, Joshua Bolchover, Emily Campbell
大声展
英国著名平面设计评论家Rick Poynor曾在博客designobserver.com发表对2005年大声展的评论文章，因此引发了一系列有趣讨论。有人认为中国正处在从社会主义向资本主义模仿的上升期，那里的设计师们崇尚名牌，沉迷消费，甚至追捧卡通玩偶，忽略社会现实；也有人认为，中国设计很大程度上只是刚刚跨过了它粗糙的起步阶段；有人则以一种不协调的历史口吻谈到“上世纪30年代旧上海的独特美学”。
尽管众说纷纭，作为一个多重身份的活跃人物，欧宁的确通过2005年大声展对中国当代设计作了一次大规模的展示。Get It Louder，这个题目并不符合正式的语法规范，但却具有强烈的表现力与情绪，显示出年轻设计师们旺盛的创作力以及欧宁在背后所作的支持与推动。这次他邀请英国文化协会与Newbetter参与2007年大声展英国部分的策展工作，对我们来说是极富吸引力的一个挑战。我们与欧洲其他知识分子一样，对中国近一个世纪的发展充满了好奇，并渴望有机会对它作进一步的了解。这正是一次极好的机会，可以深入探索中国的当代艺术与设计文化。
欧宁的策展思路简而言之，就是不想人为划分艺术、建筑和设计的界限，他想通过展览来呈现一切新锐有趣的作品。我们身为联合策展人，会以各种可能的方式协助他达到这个目标。因此，我们选择了一些中国观众极少有机会接触的年轻艺术家或设计师参展，他们都是近5至10年毕业的新生代佼佼者，虽崭露头角，但作品还未被大规模商业化或进入体制。这将是一个完全不同类型创作者的组合（包括艺术家，家具、互动、平面和产品设计师，建筑师以及有更多思想介入的人选），他们与Newbetter同属一代，与伦敦的文脉有着紧密的联系。
城市文脉
伦敦被频繁地被封为全球“创意之都”，这个标签由于被滥用，已经基本没有什么意义了。不过，尽管偶尔有过分自信之嫌，伦敦确实孕育了种类繁多的文化思考及实践，这一点很难否认。从这个意义上说，关于伦敦的陈词滥调也都是事实。“多样性”就是种滥调之一，而我们为大声展选择的艺术家名单也强化了这一点。所以在选择英国创作人的时候，如果大家看到我们邀请的是来自瑞典、法国、荷兰、日本等在伦敦发展的艺术家，这并不是奇怪的事情。狭隘地以出生地论国籍的年代早就过去，由于出生地与工作地不同，许多在伦敦的艺术家都有着“双重”国籍。伦敦不仅向这些“过客”提供了生存和发展空间，也因此变得更加欣欣向荣。
对原籍的模糊是有益的，这对作品的创作也产生了影响。就教育而言，以导师言传身教和重复为主的教学方式已被淘汰，取而代之的是对模糊不确定的个人创作的重视。皇家艺术学院、金史密斯学院、AA建筑学院、巴特利特建筑学院等在培育艺术和设计人才方面起到了重要的作用。每间学院都有他们各自的特色，并心照不宣地为知名度暗暗竞争。毕业后，不同学院的学生因为工作关系来往紧密并成为好友。这一代人厌倦了以前那种单打独斗的个人天才神话，上世纪90年代中期，合作模式开始兴起。今天，伦敦在社会与职业层面的繁茂发达，继续滋养着短期或长期的合作，有人只合作一天，有人或许会合作十年。这里令人望而却步的生活开销并未打击艺术家对于未知艺术合作的实验冲动。
新的需求
2007年，首相布莱尔十年任期将满，标志着英国政坛一个时代的终结。回望1997年，新工党对“文化”极为重视，那时摇滚明星与建筑师都成了炙手可热的公众人物。同一年，宜家家私以革命性的电视广告促使英国人“Chuck Out the Chintz”（意思是：把家里的老式家具统统扔掉！）。新工党执政，宜家的大众现代化观念盛行，这些变化使英国人的生活和思考方式都发生了变化。文化与商业相结合。世纪之交，对历史的纪念忽然成为迫切的主题，新的英国博采游戏为政府提供了大量资金，一幢幢新的建筑物在各地拔地而起。仿佛一夜间，城市里的每一个博物馆都建起了新的大厅或教育基地，每一座国家纪念碑都有了新的游客中心，市民梦想的建筑物都变成了现实。
自此，英国从长期的经济萧条中幸免于难，出现了空前的持续发展。机会终于到来，在很短的一段时期内，艺术、建筑、和设计成为了人们娱乐生活的主流。泰特现代美术馆一年的访问者达到490万，成为全英第二大观光点。它原先的设计者、著名的建筑师组合Herzog and de Meuron将用几年的时间对场馆进行扩张。同时，伦敦设计博物馆将搬迁至泰晤士河上游，成为泰特现代美术馆的近邻。而Zaha Hadid设计的建筑基金会总部也在不远处。如果不是出于确切的需求，相信这些繁荣的文化景象都不可能发生。
不断扩张的媒体显示出更大的胃口，不停索要“更新”的新鲜事物。新杂志层出不穷，报纸连篇累牍地刊登有关艺术与设计的内容，网站和博客上的艺评文章在你晚上入睡时悄无声息地进入你的收件箱。杂志、报纸和电视媒体的疯狂追捧为艺术设计界造就了一代新名流——椅子设计师的名气已经可以与电影明星相提并论。曾经专业和小众的东西渐渐移至中心。新的需求被赋予新的形式和新的名字。
批判实践
作为策展的原则，在对参展艺术家的遴选背后，我们都坚持他们必须代表一种“批判实践”。简单来说是指，一个特定领域的创作者必须质疑这一领域的传统局限性，并通过实验寻找意料之外的革新方式，这是对自已领域的历史的一种自觉反思。有时这意味着干一些与你以前的习惯截然不同的事情，或者用另一种方式运用你熟悉的技巧。从别的角度说，它也可以宣示为一种与其它不同背景的人进行大量合作的实践。这种合作未必总是成功的，但却可让我们在二十世纪末经历了现代主义、后现代主义的终结后，找到一条新的出路。
“批判实践者”的另一次逃离是对“功能主义”的公开背叛。二十世纪上半页的西方世界，功能主义被认为是一种主要的趋势，主张形式为功能而生；而“极简主义”风格的诞生（尽管这样说带有历史决定论的嫌疑）的确使现代主义运动走得更前。当一切被简化后，什么东西还会留存下来？我们在过去十年里看到了对于这种死局的不同回应，与一九八零年代画家 Julian Schnabel 或设计师 Ettore Sottsass 等人玩的剪切、拼贴风格游戏颇不一样。今天的一代人都认识到前辈们在形式的基本问题上已经作过无数的探索，我们不可能完全摆脱过去的影响从零开始或重新启动。我们只是历史发展中的一部分，但不会被任何框架束缚。不可否认的是，形式、功能与历史之间的关系为“批判实践者”提供了肥沃的土壤，他们在此可以探索新的想法，同时创造出新的事物。
参展艺术家
我们为07大声展英国部分起了“物质/非物质”这个标题，把物质与概念浓缩在一起讨论——概念可以是物质的，物质也可以是一种概念。在这样的背景下，我们选择了具有如下特点的设计师：他们的作品显示出设计如何从对材料形式的把玩，转向光、声效果以及数字互动。也就是说，设计师不仅研究形式，也研究令形式起变化的技术本身：例如Troika发明了一种新的仪器来探测电子产品内部隐藏的声音，在大声展中专门收集中国的二手电器来制作了一个新的装置，这些电器的声音可以通过电子探测仪来进行放大；Assa Ashuachl利用数码逻辑，把数字信息物化成长椅和灯饰；Sam Buxton的DATA椅子，向中国的制造传统致敬，以中式的王座为原型，上面有各种电子物件，坐者可以与之交流、玩、还可以储存和显示坐者的信息；D-fuse的“小世界”影像装置则以图示的形式窜改当今世界的力量平衡，例如全球手机用户的增长；Simon Heijdens的新媒体装置和Danny Brown的动画均体现了对软件的灵活运用及对其美学可能性的预见。
我们也将在展览中向观众展示某些熟悉物质表现出来的令人不安的陌生一面：Wokmedia挑衅地把电与水混合一起；Marino Gamper把二手家具重新组合成后工业的混合物；Abake四位成员虽然都是平面设计出身，却热衷于探索各种不同媒介，活跃于杂志、唱片、服装设计与装置等方面；Marloes Ten Bhomer设计的鞋子不像鞋子反而像足部的科幻突变，即使艺术界对她的设计颇感兴趣，打算生产她根据中国灵感设计的第一个商品，她也拒绝给自己贴上艺术家的标签；Julia Lohman用羊的胃部制成美仑美奂的灯饰，既吸引又引人晕眩，她另一个著名设计——牛背椅，仿如被砍掉头的牛身，提醒人类不可忘却被屠宰的动物作为消费品与人之间的关系。
有些艺术家也将以合作的方式呈现他们的作品。Shezad Dawood多年来一直请巴基斯坦的电影海报画家们按照他的想法为他制作作品，他将在大声展展出的《康斯坦布尔》系列是对各种离奇有趣的英国观念的扭曲式转译。2006年至2007年，Shezad雄心勃勃地在伦敦自己的高级寓所开设了一个展览空间，为其他艺术家策划各种项目。Celine Condorelli以建筑师的身份与策展人Gavin Wade合作了一系列名为“支持结构”的项目，这次他们将与中国建筑师王晖合作，在今年大声展的展场——不同城市的一系列购物中心继续探讨如何为一个公共项目提供“支持结构”。Newbetter则一直以自己的建筑学背影策划展览，同时也与其它艺术家合作，这次将展出与深受恐怖电影影响的艺术家Neal Rock合作的项目Hydan。
中国的召唤
中国设计史与我们所熟悉的欧洲非常不同。上海博物馆展出的那些令人惊叹的中国古代青铜、陶瓷和纺织品，见证了中国的制造业与设计在耶稣诞生前好几个世纪已经有了相当活跃的联系与生命力。在欧洲文艺复兴、古典工艺重获生命力之前的一千多年，中国的丝绸、火药等就通过丝绸之路从中亚运送到了西方。然而，欧洲精英分子对东方特别是中国精湛工艺情有独钟的迷恋在西方工业革命兴起之后宣告终结，因为那时候，他们生产的工业品已开始大量输入中国。上世纪初，中国帝制崩溃，新文化运动以及前期资本主义的发展曾经也为设计带来短暂的繁华。而后来的大跃进运动则反映了中国当时对工业的不切实际的追求——人们摧毁所有代表资本主义的建筑并穿起了统一的服装。上世纪末，随着共产主义观念的淡薄和消费观念的增长，设计观念也随着不断革新。
大声展在这个变革时期，提供了众多丰富和令人激动的机会，让东西方这两个不同的历史体系，在艺术、建筑和设计方面展开对话。这不仅是一次思想者与行动者令人眩晕的交集，也是消费时代创意产品的大规模展示。即使身处伦敦，我们也可以感受到中国以它丰富的文化与神秘的特性（不管是新的还是旧的）对世界造成的影响。在这个全球化时代，每个国家的独特个性依然占有重要地位，无论英国或是中国，设计与创作都有着他们各自的国族性，不管是真实的、想象的、还是重新发明的。但大声展则将给予这些不同地域的艺术家在作品中释放出不同以往的含义，并同时展现出中国在飞速的经济发展和社会变迁中艺术与设计的地位。
咖喱秀
灵异对话
时间：7月7日晚八时
演出场地：
Embassy Projects
香港新界火炭黄竹洋街15-21号
华联工业中心B座4楼19室
演出内容：
鬼是一种怎样的存在？是一种对人事已厌倦的存在？是一种不肯离去的回亿？是一种异乡人还是一种过客？
香港一众精英实验创作人及新晋声音艺术家，联同Embassy Projects，将透过声音、影像、装置艺术及互动手法等多媒体元素，邀请观众一同探索、重新发现及重新体验一切有关于鬼的概念。各演出艺术家，将会以不同角度，或反思或重新理解，展开不同的异灵对话。同时，观众更可于演出后与众艺术家进行交流与分享他们的鬼故事。
拼合原音乐器、电子音乐及Embassy Projects以多媒体展示的学院派研究成果，籍实验性构思概念，带领观众以交流形式启航，体验一次深入本土文化的破格实验。当晚的交流成果，将会由Lona Records制作成3”CDR出版发行。
游走于人间与鬼界之间，这是一个旨在打破界限的外交使命，关于不同媒体、不同角式及不同社群。
艺术家介绍 (About the Artists)
Adrian Wong
生于美国芝加哥，原受训于士丹福大学硕士学位的心理学研究，后来转向艺术研究，并取得耶鲁大学之艺术硕士。他现于香港艺术学院任教授雕刻，并于本地及海外活跃策划多项展览。
ahshun aka bjornho 何谦信
1984 年生。大学主修创意媒体。为乐团A Company成员、﹝自称﹞艺术家。致力研究声响、影像、文字。
Alok
实验音乐厂牌Lona Records 的创办人，自1996年起已活跃于香港独立音乐圈。其首个乐队Pillow于1998年解散后，他与Kim 组成了Slow Tech Riddim ，开始以真实乐器结合电子音乐，并出版了两张专辑及参与了多张合辑的制作。2001年起，他以个人身份继续拓展其音乐领域，先后出版了三张大碟（<Wahoo!>、<31 Minutes to Midnight>、<29 Minutes from the End>）和三张三吋唱片（与The Pancakes 合作的第一张三吋CD、于自家厂牌推出的<All the Colors of the Dark>及<Stalemate>）。自2005年底，他专注于Lona Records 的发展，积极发掘世界各地的优秀音乐人/乐队，为他们出版唱片及作推广发行。2006年12月，他与L W T V 的现场录音合成品 <Amidst The Boredom, They Gather Forces> 于 Little Sound 出版，限量发行。
Alok曾参与现场演出无数，包括 Berlin Hong Kong Festival (2001)、Rechenzentrum Vs Slow Tech Riddim (2001)、Hong Kong international film festival closing party (2002)、Rockit festival (2004)、 Mondialito Live in Hong Kong (2005)、AGF Live in Hong Kong (2005) 和 Lona Records "Take off Your Headphone & Turn to 10" (2007) 等。
Edwin
生于一九八四年情人节。现为香港城市大学创意媒体二年生。深爱读各类书本、聆听各类声音作品。 2006年开始创作声音创作。其声音作品见于脑波交流 (BrainWave Communication) 合辑《BrainWave Communication VA》以及由小声(Little Sound) 在今年五月出版的三吋唱片。
KWC (巢健威，又名Anytone及ok_static)
No One Pulse之策划人之一，亦是多媒体设计共同体Sleepatwork之幕后主脑。成立于2002年，Sleepatwork之创作极其广泛，曾指涉之范畴包括平面设计、插画、动画、网页设计以至艺术项目策划及音乐制作。其作品不但可见于不少展览项目及书刊，他亦曾策划多个艺术项目如 ”Media Jam”, “60 Seconds”, “A2 Exhibition” 等。其作品一览，可详见于 www.sleepatwork.com。 与此同时，他亦曾以ok_static名义自家制作raster-noton式的电子杂音专辑。
Nookei
多媒体创作人。沉迷黑暗派音乐及各有关影像与装置之艺术创作。
Samantha Culp
生于美国罗省，毕业于耶鲁大学。现任职香港中文大学，电影审查系列Superplex之创办人，亦是南华早报等刊物之亚洲艺术文化写手。现专注于写作、策展及纪录片项目。
Sherman 何嘉进
二十三岁﹐不善辞令却爱制造声音﹐也写作。他的首张个人作品“Politely We Grow Old”于2006年发表于Lona Records名下。 Sin:Ned
Sin:Ned (黄仲辉)，乐评人、实验电音及声音艺术创作人。 Sin:Ned 最早出现于香港另类音乐杂志 MCB (音乐殖民地)，擅长以实验性文体及偏险的理论化角度进行音乐论述。除 MCB外，其音乐论述文字亦散见于《号外》、《明报》等不同刋物。其后，更进一步沉迷以计算机软件及各种非正统发声工具制乐。一度是网上音乐共同体Tapegerm之成员，于2003年亦曾出演《香港视野音乐节》(Sound & Vision Festival) 之Media Jam项目《Survival Kit》。早期创作可见于《Music For Your Beautiful Boy》、《Mondisk》、《MCB200》、Alok的《29 Minutes From The End》及Tapegerm共同体的多款合辑。他的首两张个人作品《Uroborus: A Study On No-input Device》 及 《60 Seconds: A Schizophrenic Manual For Eternity》，均于2006年发表于Lona Records名下。2006年， Sin:Ned与多媒体创作共同体Sleepatwork之主脑巢健威组成概念组合No One Pulse，并分别于香港的Lona Records及中国的Little Sound发表了二步曲实验电音专辑《Tele》及《Pathic》。
Wilson Tsang 曾永曦
自幼随母研习古典钢琴，其后受外国多种音乐潮流影响下，开始探索不同之音乐风格，包括摇滚、民谣、爵士怨曲等，并于九十年代初正式以业余身份进入香港独立音乐圈子。在1993 年，曾创作及演出首个个人音乐会“热壸仔音乐故事”，作为当年艺穗节节目之一；于95年，曾与本地作家小西及朗天合作，创作“给阿米巴节信”——一个结合舞台，音乐及动作之剧场；在97年，曾与另一本地音乐人潘德恕合作，举行多媒体音乐舞蹈剧场“极乐世界一九九七”，并邀请日本编舞者松岛诚进行创作，曾亦于此演出中同时以乐手及演员身份出现，于年末，其音乐部份亦以CD形式公开发行。98年初曾再度参与艺穗节，并进行其第二个个人音乐创作剧“卵石屋之歌”，并请来本地录像人卢燕珊负责视像及服装设计；由’00年至’02年间，曾亦3度被澳门石头公社邀请，参与当地之街头文化活动。除了音乐创作之外，曾亦同时活跃于本地之视艺工作包括公开其画作及参与不同大小的展览，曾并为本港不同之刊物及杂志作插图；于96年，曾编绘及出版其创作故事集“12 Tales in 11 Monochromes”，并得到香港艺术发展局资助。曾现职平面设计师。
